Fue el título de la exposición de la artista, Diogo Goes, que volvió a poner énfasis en su visión de la realidad, a través de textos de la psicología del arte y la antropología cultural.
En su trabajo, tienes una charla a dos, lo que le atrajo de este tipo de tema?
Diogo Goes: El discurso puede ser dos de pintor con el espectador, pero también puede ser la política con la religión, o la moral y la sexualidad. Estoy totalmente de acuerdo con usted acerca de este discurso a dos, que es querido para mí y constantemente exploró en mi trabajo es que la alegoría para el burro. A menudo digo que antes burro que artista, o mejor burro que espectador, lo que quiero decir con esto? Desde la modernidad los enseñaron cuando niños, mediante la lectura de los cuentos de hadas, la representación del burro como el bribón, o ignorante, pero si nos remontamos en el tiempo, en la etnografía medieval, o judeo-cristiana, o incluso en la antigüedad, el burro, es visto como el humilde, abnegado, perseverante en el trabajo, así que estoy interesado en ver esta actitud del artista como uno que trabaja y quiere que su trabajo vaya más lejos. Lo que pasa es que a veces el burro carga pesada carga que el propietario no puede levantar. Y aquí os dejo al espectador a la consideración de si el artista está loco, o es burro. Algunas de estas obras plantean algún juicio de valor, ya sea moral, ya sea contexto artístico, creo que poner en duda el arte objetual censor todo lo que estamos haciendo con las imágenes que vemos, la gente que conocemos. El primer juicio de valor inmediato es la condición necesaria para validarlo como un objeto de arte. Sólo que no te gusta, o incluso si, esta cuestión de gusto en la estética contemporánea no se plantea, lo que importa es la transmisión de un mensaje.
Háblame de esta exposición, en particular, a través de esta perspectiva.
DG: Acerca de la exposición, "totem/extra-virgen", ya que la primera entrega palabra de dos textos de la psicología del arte y la antropología cultural en Portugal, desde Freud y Proust, que habla de los mecanismos de valor trasferencia entre órdenes sociales y naturales y lo que media esta experiencia son los objetos del foro cultural. Esto es muy sencillo de explicar aplicada a lo contemporáneo, si pensamos en los clubes de fútbol y cada equipo se identifica con un animal, por lo que el orden natural, es un signo de pertenencia que se identifica por un color, a continuación, asociar estos clubes a su color y su símbolo de los animales y quiere que los que están en el grupo, ya sean aficionados o los que están fuera identificarlos como tales. Y si pensamos en otros planes, en la política, en las monarquías europeas, en la heráldica, por ejemplo, los de la flor de lis, el azul y el águila se asocia con Francia, asociamos una imagen del campo natural y transportados como objetos de valor para el sentido de pertenecer a un equipo. En este caso, la exposición, son las chicas de mi familia fotografiado en la primera comunión. Lo que es común en términos de membresía es ser parte de un mismo clan, familia, católicos.
Pero hay una iconografía?
DG: Sí, todas están saturadas con orejas de burro, una broma, mientras que en las tribus africanas, los clanes se identificaron diciendo, mi tribu oso, no se equipara como un oso, pero toman todas las fortalezas y virtudes del animal, estoy aquí para decir en mi tribu es burro, porque todos ellas son mi familia. Casi todos ellas estuvieron presentes en la inauguración, bromeó acerca de la situación, los títulos son el nombre que les di en la infancia. En otra serie, que también presentam un grupo, son los soldados de la Primera Guerra Mundial, los portugueses que sirvieron en París y Flandes y se hizo una encuesta del archivo fotográfico, son imágenes apropiadas y hacer recortes de periódicos posteriores con títulos y tratar de poner una irónia sobre la base de las fotografías, que sólo es apreciable hacia el espectador, mientras que en busca de la unión.
Pero también pones etiquetas en sus obras.
DG: Sí, porque es una cuestión de archivo. El hecho de que se trata de una serie transporto estas obras a la historia del arte contemporáneo. Si pensamos en la era de reproductibilidade técnica, Walter Benjamin, la condición necesaria de la práctica artística contemporánea es repetir las imágenes o secuencias de imágenes con el fin de establecer una narrativa o visual o temático o conceptual. Al poner todas las imágenes juntas es casi una película fotográfica, el medio es la fotografía que no ha sido expuesta, o la película que no ha sido revelada. Esta condición me interesa, a continuación, otras cuestiones que Benjamin y otros autores se acercan, como Paul Fosset salvo error sobre el archivo, el hecho de que el número e identificar cada pieza con etiquetas colocando el lugar, la fecha y el número y donde la identidad se presenta. En otro trabajo he tenido que hacer con las cajas, se encontraba en Brasil, expuesta en Salvador de Bahía, los puestos de trabajo que eran archivos de pintura, colocados en cajas, numeradas por fecha de toma del archivo de sobres, con la fecha de cierre de la caja y si pensamos que cada caja embalado en cajas de correo y se envía al local con un objetivo, todavía tenemos otras fechas, tiempo de envío, llegada y el empleo que suceden imprevistos que están perdidos y que el CTT tiene un año para devolver. Había obras que no llegaron y la exposición tuvo que ser abierta y luego está la fecha del show y lo que queda de estas partes, que es lo más interesante, son los archivos, recibos, facturas, tengo docenas de hojas de registros mensajeros, todos ellos de fecha y permitirme hacer el viaje de una pieza, la gente, los colectores, los sitios donde se enviaron las cajas.
El paso del tiempo también es importante en tu trabajo?
DG: Sí, el archivo se centra en el tiempo pasado y el presente, que es un cliché, pero la continuación de los trabajos más allá del momento de la exposición. Y si pensamos en un espectáculo que las nuevas tecnologías pueden ser introducidos a los medios de comunicación, todos los tallos a partir de ahí, en el fondo se dice que dijo, nunca es lo que se hizo, nunca es lo que sintió el artista, pero no se si los artistas sienten. Esta es una nostalgia romántica, yo no estoy inspirado, hay trabajo y por lo tanto siempre habrá la misma sentencia, el tiempo te hace olvidar, estamos aquí de paso.
La vida y la muerte, que es otro de sus temas. Pero zancos donde? En fina línea que los separa? O una vez más entras por esta dialéctica?
DG: Tal vez no soy la mejor persona para hablar de mi. Pero, puedo abordar el contexto, yo soy católico, tengo esta designación practicantes o no practicantes, porque estoy por completo si quieren un católico militante. Todos los datos que aparece proviene de la cultura visual etnográfica, tal vez si no fuera católica, no presentasse este tema. No son conceptos, apropiándose de imágenes de manera integral y justo ahora hablaba con un amigo que me conoce y dijo Diogo que cambió? Si pensamos que siempre usamos imágenes que no son ángeles, son representaciones que se asocian con estos seres celestiales, y al entrar en una tienda que hay miles de posibles reproducciones, es el santo católico, o el Buda. eEn Brasil es llevado al extremo, porque hay arixas, tótems africanos y todo en la misma plataforma, de todos modos, pensar en lo que me interesa como un objeto, como única imagen. Cuando hago un juicio de valor sobre una imagen sagrada que se encuentra dentro de una iglesia y de un altar adoro, la exposición es el único arte consagración y habló sólo en el campo de las imágenes. Es indiferente a mí el título vírgenes, las niñas en este caso mi familia tienen este respeto. Otra cuestión es que el virgen nunca se pone en el hombre y hace una diferencia, tal vez todos los santos tendrá la virtud de la virginidad, algunos no, será la castidad, pero nunca se habla del virgen. Siempre es una referencia a la figura de la mujer es una realidad antropologica descontruida por Freud y cuándo se hicieron estudios a clanes africanos, esto es lo que sucede en los rituales de iniciación. En la exhibición en esta ocasión es la primera comunión, es la primera vez, no vuelven a usar el vestido blanco, a menos que para ubna oda, hablo del caso de la mujer. El vestido es como el tema, el traje ceremonial.
Pero al ver las obras de arte lo que te dijeron?
DG: Quién ve mi trabajo sabe que trato de investigar antes de salir para un nuevo trabajo, para darse cuenta de un concepto. Sólo las cosas no tienen que justificarse. Empecé a pintar burrros por coincidencia, pinté uno que fue expuesto en una galería, me pidieron otro y me di cuenta de que estaba entrando en un mercado y sin entender muy bien por qué. En el fondo me paré y fui a investigar y ahora da lugar a un argumento y empecé a ver la cantidad de información que existe, los autores portugueses que hacen mención del burro, de inmediato Fernando Pessoa, "me gustaría estar allí como el burro del molero, él lo golpea y estima" de José Saramago en " en el memorial del convento "," querer levantarse del suel" él es más sarcástico. Es curioso que, independientemente de la ideología, tiene que ver con la narrativa barroca de muchos adjetivos que califican el animal, él habla de la mula lazarenta.
Así como si se está viendo a través del conjunto de una obra?
DG: Creo que respondieron bien, casi todas rieron. Otras le di el conocimiento previo, para que no haya problemas y escribi con calidez y amistad.
Hacer frente a los juicios de valor cuando alguien mira a su trabajo y la censura todavía es arte?
DG: No soy lo que tengo que ver. No me gusta el término arte. La palabra tiene que ver con mi formación, si quieres arte religioso significa artifício y al decomponer la palabra amor aparece Amortis, es decir, lejos de la muerte, te hablo desde el punto de vista de la tecnología, el artificio no me excluye de la muerte, el arte de fondo es no la muerte, que es una falsificación, probablemente todo esto no vale nada. El artista, no me gusta este término, prefiero autor, ya que significa suma a la creación. Estoy hablando de Dios no es fácil de creer, pero para obtener el beneficio de la duda creo que es más difícil y luego poner un denominismos a nosotros mismos, donde hay una creación y un creador no puede tener el mismo nombre, si somos autores y es que si no se ha añadido nada, no vale nada la obra. Los juicios de valor habrán siempre, me doy cuenta de que hay exposiciones sucesivas, es lo que quiero, bueno o malo, este es mi camino. El espacio de arte es el museo, la galería, que da benifício duda esperamos ver algo de lo que llamamos arte.
Incluso cuando no hay confrontación?
DG: Sí, porque siempre van a juzgar. Hice una primera exposición, el galerista me dijo: no expongo comunas, o ateos. A primera vista, parecía algo más, porque yo voy a misa y yo soy católico. Después pasamos por esa etapa y ya descontruyo sobre la persona y ahora podemos avanzar para el proyecto. Cuando nos fijamos en él, hay la necesidad de tomar algún tipo de atención, estamos jugando el mismo juego, se da cuenta de mi trabajo, cómo funciona en segundo plano y hacer concesiones el uno al otro. Él no va a ir después de un mensaje que es contraria al nuestro. El galerista es visto como el capital y la autoridad, a mí me interesa la confrontación. Se trata de una característica necesaria. Tal vez no de propósito, pero se supone.
